DOSSIER MELODRAMA CLÁSICO (XIII- FINAL)

EL MELODRAMA NEORROMANTICO (2)

 

El neo romanticismo de los años 50 y 60 tuvo algunas derivaciones distintas de las que habían personificado Sirk y acólitos. Basta evocar una serie de títulos para identificar los puntos en común de un conjunto de películas que van de “Al este del Edén” a “Esplendor en la yerba” ambas de Elia Kazan. Fueron films apoyados en obras literarias de un grupo de autores estadounidenses claramente definidos por su sentido romántico y decadente, con personajes situados en un medio casi claustrofóbico. Films al borde de la histeria. Incluso una obra de la majestuosa serenidad de “Río salvaje” – Kazan otra vez – contenía dosis masivas  de violencia interna que cuando estallaba resultaba del más fuerte impacto. Este cine tambien estuvo sustentado por obras de Faulkner – “Sanctuary”, “The sound and the fury”, “The long hot summer” – Tennesee Williams – “The rose tatoo” y muchas otras – Steinbeck – “East of Eden” – o William Inge  - “Picnic”, “Splendor in the grass” -.

Con él solo repaso de estos nombres se observa que los melodramas obtenidos habían de arrastrar no pocos de los acentos más personales de dichos escritores. El sentido melodramático ondulaba perezosamente sobre un cañamazo  de conflictos sexuales con Freud de invitado de honor, y el adjetivo freudiano sobrenadó a lo largo y a lo ancho de estas cintas. Los cineastas que las dirigieron – Kazan, Ray, Logan, Minnelli, Ritt, Brooks,…..– fueron hombres que no tenían el instinto primitivo  de los realizadores de melodramas de los años 30. Fueron productos culturales más sofisticados que aportaban unas experiencias  personales más o menos amargas y que en algún caso elegían la vía melodramática  en su vertiente de de torre de marfil, hermosa y abstracta, para poner en juego su talento sin mayores riesgos.

Se realizaron films cálidos y exquisitos. La utilización del color se llevó a cabo por cauces más académicos que intuitivos, pero buscando siempre unos efectos no lejanos de los obtenidos por la gran Nathalie Kalmus. Se alcanzó un leve grado de preciosismo y no es seguro que los puntos de partida, originariamente literarios, tuvieran para sus directores un interés superior al considerar que cara a la taquilla  de estos años los melodramas debían ir envueltos en un celofán de prestigio.

Los films tuvieron en común  el no desarrollarse en tiempos contemporáneos y buscar en un pasado reciente  las claves de unos comportamientos  pasionales. La acción de los films  se ubicó en el sur o, menos frecuentemente, en el oeste. Es decir, dotar  de un aura mítica la romántica ciudad donde se iba a vivir la película. Búsqueda de una melancolía  ya que la realidad se situaba  muy lejos de la vitalidad del presente y de la ciega esperanza en el futuro que traslucían las obras gemelas de dos décadas anteriores. El melodrama había sido invadido por unos intelectuales que se acercaban a él buscando una identificación  ante el público para trasladar los mensajes del momento, como ocurría antaño, solo que obteniendo de él  el último refugio estético para un mundo artístico en ebullición  y ante el cual cabe únicamente el despiste  o la locura.

 Fueron melodramas más completos en el sentido de que dominaron mayor cantidad de resortes que el melo de los 30 – no se trataba de emocionar o de querer hacer oír  la voz que obligaba  a aceptar los mitos de la mejor sociedad en que se podía vivir – sino que había que dejar bien clara la concepción de artista por más que se estuviese filmando algo destinado  a provocar sensaciones  ya bien conocidas  y bien satisfechas por la demanda de los espectadores. La sociedad en que moraban los personajes, los condicionamientos económicos, los mitos culturales, generaron los conductos melodramáticos y quizá ello fuese la principal aportación de estas películas. Porque en otro orden de cosas la crispación de los tics interpretativos del Actor’s Studio y el coraje  que anunciaba la violencia del cine venidero resultaba el equivalente de una bien sabida forma de dirigir melos. Estos cineastas inquietos fueron los creadores del primer melodrama de la nostalgia. Por vez primera se miraba atrás. El género alcanzaba su postrera madurez y se situaba ya en la antesala de la muerte.

Despues, poco después, esperar que un Bogdanovich o un Richards monte una espectacular operación nostalgia a costa del melo y lo resucite entre momias de luz. Será aprender unas reglas no difíciles. Será montar un show para último servicio a un público que aceptando esta “modernidad” negará vergonzosamente  haberse divertido con las películas de otrora. De cuando en cuando un intento vacuo, un “love story” por década para recordar algo que no se quiere recordar sino es bajo la falsa impresión de pertenecer a una época de la que, profundamente engañados, creemos haber superado sus condicionantes.

No solo han existido los géneros aquí expuestos en una construcción no poco arbitraria y acaso apresurada. Mezclas de los subgéneros citados convivían con obras obviamente clasificables en cualquier grupo de los mencionados. Se vieron melodramas de aventuras – “Capitanes intrépidos” -, de gansters – “Manhattan melodrama” -, existieron derivaciones del melodrama familiar, como el católico con figuras centrales de sotana (series del padre Flanagan, de Bing Crosby o “Las llaves del reino” novela de Cronin y película de John M. Stahl), apareció la virgen de Lourdes y la de Fátima y como testigos de tales eventos surgieron sendos films que hablaban en el más puro lenguaje melodramático. Hubo un melodrama musical que fue de “Cabin in the sky” a “Love me or leave me”. Puede afirmarse que con mayor o menor importancia no existió género alguno en el gran Hollywood del clasicismo que no viera invadida una porción de su existencia por las luces del melodrama. Hoy, con el fallecimiento del cine de géneros en su noble acepción, tampoco el melodrama dinamizador de importantes parcelas de aquellos ha tenido razón de existir. Setenta años de sangre, sudor y lágrimas dejarán constancia de su vitalidad.

Luis Betrán.- 10 de octubre de 1978