La sapienza (2014)
La sapienza. de Eugène Green
La arquitectura es una metáfora fácil para lo divino - un mundo donde el arte y la artesanía, y la belleza y el diseño, se consideran iguales. Tomando su nombre de la palabra derivada del latín, el título se refiere a la idea de un "gran conocimiento" que los artistas del Renacimiento buscaron a través de la síntesis de los médios. Repleto de carretes de remolinos de los edificios más bellos de Roma - todos de forma crucial disparó desde el suelo hacia arriba, mirando a los cielos - La Sapienza es visualmente impresionante. Pero el retrato del director franco-estadounidense Eugène Green es mucho más que bellas imágenes pontificando salvajemente sobre temas de envejecimiento, culpabilidad, sacrificio, lenguaje, libertad y responsabilidad, usando un dispositivo de trama central que se desvía mucho menos de lo que parece.
El colaborador frecuente de los hermanos Dardenne, Fabrizio Rongione, una actriz italiana y francesa, Christelle Prot, interpreta a Alexandre y Aliénor Schmidt, una pareja parisina cargada que se embarca en un espurio viaje a Italia; aparentemente para que él, un arquitecto, pueda estudiar a su héroe Francesco Borromini, pero realmente para ambos "pensar". Un encuentro casual (¿o el destino?) ve acercarse a un hermano adolescente local que vive en Ticino, el lugar de nacimiento de Borromini. El joven de 18 años, a punto de embarcarse en un título de arquitecto, se une a Alejandro en un viaje para absorber a los maestros en Roma, donde sus crudas opiniones académicas chocan con los ideales apasionados de la juventud.
"Es hermoso", declara el chico, viendo otra obra maestra barroca. -Y bien aprendido -contesta el anciano-. Es arte versus artesanía de nuevo, pero esta vez dividido por la edad, e inevitablemente las dos generaciones tienen mucho que aprender unos de otros. Mientras tanto Aliénor permanece en Ticino, donde ella construye una relación con la hermana psicosomáticamente encapuchada del muchacho. Se produce una transacción similar. Ella, socióloga de izquierda, explica la felicidad profesionalmente por la presencia de la riqueza. La niña está leyendo a Madame Bovary, la historia de una mujer que está bien provista, pero no satisfecha por sus circunstancias. Ambos encuentros parecen predicar las virtudes del espacio y la libertad, tanto en la arquitectura como en la vida: los pragmáticos aprenden a soñar y los soñadores aprenden el valor de la experiencia ("Los espacios no son nada más que vacío", dice Alexandre, "El vacío que debe llenarse "Responde el joven Goffredo). Una escritura conmovedora y meditativa, densa de significados e ideas, pero ligera con movimiento y acción, nada se dice explícitamente a la audiencia.
Ambos conductores brillan con desempeños tremendamente restringidos. Con virtualmente ningún movimiento psíquico en absoluto, los actores se dejan impartir diálogo profético de la literatura como si un mensajero, oraciones de peso que se sientan en la pantalla por momentos. Green ha inventado muchas cosas - una oda a la belleza de la creación, una celebración de los maestros, y una pieza de pensamiento existencial que predica el amor y el conocimiento como dones divinos que vale la pena atesorar. Una joya.
La arquitectura es una metáfora fácil para lo divino - un mundo donde el arte y la artesanía, y la belleza y el diseño, se consideran iguales. Tomando su nombre de la palabra derivada del latín, el título se refiere a la idea de un "gran conocimiento" que los artistas del Renacimiento buscaron a través de la síntesis de los médios. Repleto de carretes de remolinos de los edificios más bellos de Roma - todos de forma crucial disparó desde el suelo hacia arriba, mirando a los cielos - La Sapienza es visualmente impresionante. Pero el retrato del director franco-estadounidense Eugène Green es mucho más que bellas imágenes pontificando salvajemente sobre temas de envejecimiento, culpabilidad, sacrificio, lenguaje, libertad y responsabilidad, usando un dispositivo de trama central que se desvía mucho menos de lo que parece.
El colaborador frecuente de los hermanos Dardenne, Fabrizio Rongione, una actriz italiana y francesa, Christelle Prot, interpreta a Alexandre y Aliénor Schmidt, una pareja parisina cargada que se embarca en un espurio viaje a Italia; aparentemente para que él, un arquitecto, pueda estudiar a su héroe Francesco Borromini, pero realmente para ambos "pensar". Un encuentro casual (¿o el destino?) ve acercarse a un hermano adolescente local que vive en Ticino, el lugar de nacimiento de Borromini. El joven de 18 años, a punto de embarcarse en un título de arquitecto, se une a Alejandro en un viaje para absorber a los maestros en Roma, donde sus crudas opiniones académicas chocan con los ideales apasionados de la juventud.
"Es hermoso", declara el chico, viendo otra obra maestra barroca. -Y bien aprendido -contesta el anciano-. Es arte versus artesanía de nuevo, pero esta vez dividido por la edad, e inevitablemente las dos generaciones tienen mucho que aprender unos de otros. Mientras tanto Aliénor permanece en Ticino, donde ella construye una relación con la hermana psicosomáticamente encapuchada del muchacho. Se produce una transacción similar. Ella, socióloga de izquierda, explica la felicidad profesionalmente por la presencia de la riqueza. La niña está leyendo a Madame Bovary, la historia de una mujer que está bien provista, pero no satisfecha por sus circunstancias. Ambos encuentros parecen predicar las virtudes del espacio y la libertad, tanto en la arquitectura como en la vida: los pragmáticos aprenden a soñar y los soñadores aprenden el valor de la experiencia ("Los espacios no son nada más que vacío", dice Alexandre, "El vacío que debe llenarse "Responde el joven Goffredo). Una escritura conmovedora y meditativa, densa de significados e ideas, pero ligera con movimiento y acción, nada se dice explícitamente a la audiencia.
Ambos conductores brillan con desempeños tremendamente restringidos. Con virtualmente ningún movimiento psíquico en absoluto, los actores se dejan impartir diálogo profético de la literatura como si un mensajero, oraciones de peso que se sientan en la pantalla por momentos. Green ha inventado muchas cosas - una oda a la belleza de la creación, una celebración de los maestros, y una pieza de pensamiento existencial que predica el amor y el conocimiento como dones divinos que vale la pena atesorar. Una joya.
El hijo de José (2016)
La salida comienza con un crédito intoxicante, tanto para el ojo como para el oído. En la ciudad (París), los coches ruedan y aparcan, los peatones cruzan, bajan, presionan las escaleras del metro. Un ballet fluido - magnífico o vano, magnífico y vano - de individuos en movimiento. Uno no puede ver sus rostros, la humanidad que se concentra, y de qué manera sublime, en la música barroca italiana - que acompaña estas imágenes casi abstractas. Las voces e instrumentos del poema armónico, el conjunto dirigido por Vincent Dumestre, nos persuaden de que el propio estilo de Eugene Green ha "vuelto a golpear" ... Una película que ofrece mil lecturas. El escritor, dramaturgo y cineasta firma un nuevo largometraje, como siempre infinitamente cultivado, insolente y espiritual (en ambos sentidos del término), desconcertante y magnético. Una película que ofrece mil lecturas incluyendo la reversión. De la verdad y de su opuesto, de la paternidad y de la filiación, del deseo de matar y del llamado de la salvación, de la mordaz ironía y de la ingenuidad que no se avergüenza de sí mismo, mentira mortificante y sinceridad liberadora, sentimientos pervertidos y amor genuino ... La lista seguiría siendo larga.
Esta bipolaridad fundadora se encuentra en la estructura de la obra misma: la primera parte de la película, antes de que aparezca el personaje de José, puede parecer árida, fría o privada de esa extraña vibración que tan a menudo habita en el cine de Eugene Green. La segunda deslumbra nuestra mirada y nuestra comprensión de su suave pero resueltamente mística luz, su indefinible gracia. La historia de Vincent, el joven héroe de la película al que Victor Ezenfis presta su cara de Caravaggio, se reduce a una carencia: la de un padre desconocido cuya madre se niega a hablarle: "¿Quién es mi padre? No tienes padre. El adolescente persiste y descubre secretamente una carta que le revela la identidad generativa de Oscar Pormenor, un editor de germanopratina con corazón seco, evolucionando en un círculo con esnobismo patético y caricatural. Se reconoce la garra de Eugene Green que rasca sin aspereza, ni miedo al exceso, un mundo pequeño ridículo y arrogante. En particular, hay un periodista que es bastante "Goldfinger", una crítica en L'Eleveur litteraire, encarnada por una jubilosa María de Medeiros. Contemplando cada día en su habitación una reproducción del Sacrificio de Isaac de Caravaggio, Vincent está fascinado por el cuchillo del padre preparándose para cortar la garganta del hijo ... y piensa en venganza, de nuevo invirtiendo el orden de las cosas, el orden de los seres. Pero él también será detenido por un ángel en su impulso sacerdotal. Y la película hará un nuevo comienzo.
Fábula o parábola, dividida en capítulos que se refieren explícitamente a las Escrituras ("El becerro de oro", "El carpintero", "La fuga a Egipto" con el culo requerido ...), El Hijo de José coloca a los personajes y los espectadores cara a cara con el vértigo de la revelación: cruel cuando se trata de la identidad del padre, acariciando cuando, en su primer encuentro, la madre de José y Vicente intercambian sus nombres - "Yo, es María ..." Esta revelación pasa por la imagen, con sus fotos fijas, imágenes verdaderas iluminadas con viejos tonos de oro, alrededor de una mesa de café o frente al mar sedoso bordeado de espuma, calmando las mentes preocupadas. música como la queja de una madre. Así pasa también a través de la música tan querida de Eugene Green y encontramos, en una secuencia en forma de ofrenda, la tiorba de Vincent Dumestre, las voces, el habla y la canción, Louise Moaty y Claire Lefilliâtre, discípulos y cómplices del director. A la luz de las velas (una alusión barroca), Vicente y José oyen la queja de una madre. Y la emoción, tan cuidadosamente mantenida a cierta distancia del juego de sus actores, se propaga repentinamente en ondas.
Plegable con un lenguaje natural de artificio, los actores son los embajadores de esta película única y teniendo Mathieu Amalric, de odio Pormenor eso también, la voluntad de tal vez abriendo un camino a Damasco, Natacha Regnier, María misteriosa iluminada desde adentro, y Fabrizio Rongione, José despertando y despertado por su encuentro con Vicente. Padre e hijo, hijo y padre. Un film distinto, subvalorado, único.
La salida comienza con un crédito intoxicante, tanto para el ojo como para el oído. En la ciudad (París), los coches ruedan y aparcan, los peatones cruzan, bajan, presionan las escaleras del metro. Un ballet fluido - magnífico o vano, magnífico y vano - de individuos en movimiento. Uno no puede ver sus rostros, la humanidad que se concentra, y de qué manera sublime, en la música barroca italiana - que acompaña estas imágenes casi abstractas. Las voces e instrumentos del poema armónico, el conjunto dirigido por Vincent Dumestre, nos persuaden de que el propio estilo de Eugene Green ha "vuelto a golpear" ... Una película que ofrece mil lecturas. El escritor, dramaturgo y cineasta firma un nuevo largometraje, como siempre infinitamente cultivado, insolente y espiritual (en ambos sentidos del término), desconcertante y magnético. Una película que ofrece mil lecturas incluyendo la reversión. De la verdad y de su opuesto, de la paternidad y de la filiación, del deseo de matar y del llamado de la salvación, de la mordaz ironía y de la ingenuidad que no se avergüenza de sí mismo, mentira mortificante y sinceridad liberadora, sentimientos pervertidos y amor genuino ... La lista seguiría siendo larga.
Esta bipolaridad fundadora se encuentra en la estructura de la obra misma: la primera parte de la película, antes de que aparezca el personaje de José, puede parecer árida, fría o privada de esa extraña vibración que tan a menudo habita en el cine de Eugene Green. La segunda deslumbra nuestra mirada y nuestra comprensión de su suave pero resueltamente mística luz, su indefinible gracia. La historia de Vincent, el joven héroe de la película al que Victor Ezenfis presta su cara de Caravaggio, se reduce a una carencia: la de un padre desconocido cuya madre se niega a hablarle: "¿Quién es mi padre? No tienes padre. El adolescente persiste y descubre secretamente una carta que le revela la identidad generativa de Oscar Pormenor, un editor de germanopratina con corazón seco, evolucionando en un círculo con esnobismo patético y caricatural. Se reconoce la garra de Eugene Green que rasca sin aspereza, ni miedo al exceso, un mundo pequeño ridículo y arrogante. En particular, hay un periodista que es bastante "Goldfinger", una crítica en L'Eleveur litteraire, encarnada por una jubilosa María de Medeiros. Contemplando cada día en su habitación una reproducción del Sacrificio de Isaac de Caravaggio, Vincent está fascinado por el cuchillo del padre preparándose para cortar la garganta del hijo ... y piensa en venganza, de nuevo invirtiendo el orden de las cosas, el orden de los seres. Pero él también será detenido por un ángel en su impulso sacerdotal. Y la película hará un nuevo comienzo.
Fábula o parábola, dividida en capítulos que se refieren explícitamente a las Escrituras ("El becerro de oro", "El carpintero", "La fuga a Egipto" con el culo requerido ...), El Hijo de José coloca a los personajes y los espectadores cara a cara con el vértigo de la revelación: cruel cuando se trata de la identidad del padre, acariciando cuando, en su primer encuentro, la madre de José y Vicente intercambian sus nombres - "Yo, es María ..." Esta revelación pasa por la imagen, con sus fotos fijas, imágenes verdaderas iluminadas con viejos tonos de oro, alrededor de una mesa de café o frente al mar sedoso bordeado de espuma, calmando las mentes preocupadas. música como la queja de una madre. Así pasa también a través de la música tan querida de Eugene Green y encontramos, en una secuencia en forma de ofrenda, la tiorba de Vincent Dumestre, las voces, el habla y la canción, Louise Moaty y Claire Lefilliâtre, discípulos y cómplices del director. A la luz de las velas (una alusión barroca), Vicente y José oyen la queja de una madre. Y la emoción, tan cuidadosamente mantenida a cierta distancia del juego de sus actores, se propaga repentinamente en ondas.
Plegable con un lenguaje natural de artificio, los actores son los embajadores de esta película única y teniendo Mathieu Amalric, de odio Pormenor eso también, la voluntad de tal vez abriendo un camino a Damasco, Natacha Regnier, María misteriosa iluminada desde adentro, y Fabrizio Rongione, José despertando y despertado por su encuentro con Vicente. Padre e hijo, hijo y padre. Un film distinto, subvalorado, único.
Luis Betrán
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